再创造

A. 为什么说艺术接受是一个再创造和无限创造

艺术家在创作活动中必然不会也不能将他的所见所想面面俱到地表现出来，他会尽可能地用有限的物质材料和艺术表现手段高度凝练概括地传达出他对事物的理解与看法，留下一定的空白交由欣赏者来进行完形填空，这就涉及到艺术作品的召唤结构。召唤结构是德国接受美学家伊瑟尔提出的，这种观点认为艺术作品是一个有待实现的对象，需要欣赏者利用自己独特的经验和想象来填补作品，从而进行再创造。
欣赏者是具有主体性的，每个人的生活经历、成长环境、知识构架、民族阶级都是不同的，因此会有“诗无达诂”的情况。而人又是历史的，历史是发展的，尽管要尽可能地还原创作艺术作品的那个时代的眼光，但每个欣赏者必定会多少带有他所处时代、民族的烙印，以他的时代的“偏见”来看待作品。如此，艺术作品在每个时代不同的人眼中都会是一个不同的作品，艺术作品是会被不断进行再创造的。

B. 再创造的概念是

再创造是相对首次创造而言。虽然不是首创，但在没有任何帮助的情况下，依靠自己的能力，完成创造。

C. 文学鉴赏中的再创造具体表现在哪些方面

在文学鉴赏活动中，欣赏者要把作品中的艺术形象变成自己头脑中的艺术形象，就要进行“再创造”。“再创造”的心理过程，主要表现为想象活动和情感体验。读者的想象和体验，是文学作品所塑造的艺术形象能够以小见大、寓实于虚、借形传神的重要原因之一。要是鉴赏者不善于进行积极的想象或缺乏必要的生活体验，就不可能对作品的意境有深切的感受，也就发现不了作品中的那些弦外之音、韵外之致。特别是文学作为语言艺术，其形象具有间接性，不象造型艺术、表演艺术、综合艺术那样直接塑造视觉形象和听觉形象，这就更需要鉴赏者的想象力，更需要鉴赏者进行“再创造”。它要求鉴赏者善于通过语言的媒介，想象出作品所塑造的艺术形象和生活境界，并进而领会其思想内容。 文学鉴赏活动同时也是对作家在作品中已经作出评价的生活进行“再评价”。作家的主观评价是结合自己的思想感情对客观生活所作的评价，而鉴赏者的“再评价”则是结合鉴赏者的思想感情对作家所反映的生活加以重新认识的结果。这种评价可能和作者的评价完全一致，也可能高于作者或低于作者的评价；可能违犯作者正确的评价，也可能纠正作者错误的评价。这种评价是鉴赏者接受或不接受作品思想内容的必经过程。 文学鉴赏中还有一种复杂而常见的现象，即共鸣。“共鸣”是指在“再创造”和“再评价”的基础上，鉴赏者的思想感情同作品作者的思想感情达到了基本一致，甚至契合无间，或在某些方面、某一点上拥符、相似，爱其所爱，憎其所憎，发生了思想感情的交流。共鸣需要有相同或相近的思想感情和心理经验为基础。一般地说，作者与鉴赏者之间需要具有大体一致或接近的阶级立场、社会理想、生活经历，才会发生共鸣。所以共鸣现象大量表现在同时代同阶级的作家作品与鉴赏者之间。但是读者鉴赏不同时代、不同阶级的文学作品发生共鸣的现象也是存在的。由于某些共同的社会历史原因，不同时代、不同阶级之间，除了时代、阶级差别之外，在某些时候和某种情况下也会有某些思想感情相通之处，在某些生活方面或某些问题上，也会有某些相一致或相接近的地方。比如，古代封建阶级进步作家，在他们的作品中不同程度地揭露了社会黑暗，反映了人民的疾苦和斗争，曲折地表现了人民的愿望和要求，就能给今天的人民群众以感染，乃至使他们产生共鸣。又如，在古代文学作品中反映的古人的高尚精神品格与道德情操，虽有其阶级性的一面，但也有可以继承的一面，象古人的爱国主义精神与民族气节，就很容易打动处于类似社会环境中的现代人们的思想感情，激起共鸣。但应指出，这种共鸣并非是绝对的一致，而是矛盾的统一。因为今人与古人总有时代与阶级的距离，不可能完全契合，所以今人通常只是与古代作品的某一方面发生共鸣。可以与其中的积极因素发生共鸣，也可以与其中的消极因素发生共鸣，这又跟鉴赏者的主观因素有关。总之，共鸣是文学作品影响读者思想感情，发生社会作用的一种重要现象。

希望采纳

D. 我们可以用废纸再创造就是

我们可以用废纸再创造其他的因为我们都知道一切都

E. 简答题 为什么说音乐是再创造的艺术

歌谱、乐谱是记载音乐的符号。把用符号记载的音乐变为实际音响的音乐，需要通过演唱、演奏，这唱、奏表演即被称之为“二度创作”。二度创作可以无数次地进行，而每次唱、奏，无论对于谱面的原作来讲，还是对于前次的表演来说，都不是“复述”或“重播”，而是对作品的一种再创造。
再创造是积极的，包含着演奏、演唱者对作品的再理解；对作者艺术表现意图的再领会和技术、艺术上的再处理、再发挥。艺术贵在独创，二度创作同样贵在有独到的处理。因此，音乐表演被看作是“对作品的解释”、“对作品的表现”；优秀的演唱、演奏者也因此被称为“表演艺术家”。
音乐艺术得以在人们不断进行二度创作的过程中，不断有新的智慧、才华、创造性注入其间，因而具有永不凋谢的生机。音乐艺术之所以特别鲜活，也得益于它流传在不断的再创造、再丰富的基础之上、过程之中。
例如，同是贝多芬《D大调小提琴协奏曲》（作品第61号），海菲兹和大卫?奥依斯特拉赫两位世界著名的小提琴家的演奏，在音色、力度和若干细部的处理上，有很大差别，反映着两位演奏家对作品表现的不同，演奏风格的不同。不论是更加酣畅明丽（前者），或是更加浓郁深情（后者），都使人获得很高的艺术享受和满足。乐队演奏也是这样，同是德沃夏克的《e小调第九交响曲》（“新世界”，作品第95号）由托斯卡尼尼指挥演奏的，与卡拉扬指挥演奏的，与小泽征尔或李德伦指挥演奏的，各有艺术表现上的明显差异，各有独到的意趣和价值。

F. 如何理解艺术欣赏的“再创造”

欣赏主体在受欣赏客体的制约的同时，又可以主动积极地突破制约，对艺术形象进行“再创造”和“再评价”。艺术形象因为象生活本身那样丰富多彩，而且它是立体地、多向地、多层面地反映生活，所以,虽然艺术家只是从自己感受的特定角度来创造形象，但他们创造出来的艺术形象的这种立体性、多向性、多层面性，往往比艺术家主观上对现实的把握丰富得多，深刻得多，活跃得多。这就是人们常说的“形象大于思想”，或者“客观思想大于主观思想。”艺术家创造艺术形象的过程，就是由“面”到“点”，由“多”到“一”的过程，他要尽量做到以一当十，言有尽而意无穷，寓永恒于一瞬。艺术欣赏要求欣赏者能够主动积极地体验和想象，做到由一到十，由点到面，由有尽之言到无穷之意，否则，艺术欣赏就是失败的。古语：诗无达诂。歌德：“一般说，我们都不应该把画家的笔墨或诗人的语言看得太死，太狭窄。一件艺术作品是由自由大胆的精神创造出来的，我们也就尽可能地用自由大胆的精神去观照和欣赏。”这种“自由大胆”的欣赏，这种被动中的主动、制约中的能动,就是艺术欣赏过程中的形象再创造、再评价。它表现在欣赏者不但能够“复现”，领悟和理解艺术形象（与艺术家“相似”或“”相近），而且能够对原有艺术形象进行补充、变动、改造、深化和提高（与艺术家“有所不似”、“有所远”）。曹禺在话剧《雷雨》公演后曾写过：“这一年来批评《雷雨》的文章确实吓住了我，它们似乎刺痛了我的自卑意识，令我深切的感触自己的低能。我突地发现它们的主人了解我的作品比自己要明切得多。……我不由自已地感觉一种局促，一种不自在……”敦煌莫高窟壁画《割肉贸鸽》，说的是一个宗教故事：一只被鹰追逐的小鸽子，逃到佛身上求救，佛用自己的血肉喂鹰，来换取鸽子的一息生命。但血肉割尽，直到全力投身到秤盘上，也还抵不上小鸽子的重量，于是大地震动，一切复归原状……壁画中的佛身盘腿而坐，一手举在胸前，一手托着小鸽，身旁是刽子手，周围众多人物，或悲伤或哀叹或同情或恐惧。空中舞荡着飞天的飘带，如和声伴奏，衬托着这悲壮庄严的主题。当时宗教信仰的煽动力量（殉道精神），在现代观赏者眼中早已不复存在，图景本身的大含量、多义性和模糊性，为欣赏者创造出与壁画主题相去甚远的审美心象：或从中体味人间的悲惨世界，或从中参悟人生的苦难，或唤起某种痛苦而崇高的献身精神，或激起某种惩治邪恶的正义感，或向往一种博大仁慈的胸怀……

G. 为什说文学接受活动是一种再创造性的活动

文学接受是一种以文学文本为对象、以读者为主体、力求把握本文深层意蕴的积极能动的阅读和再创造活动，是读者在特定审美经验基础上对文学作品的价值、属性和信息的主动的选择、接纳或抛弃。文学接受的形式包括:文学阅读、文学欣赏、文学批评、文学研究等。其中最主要和最基本的是阅读与欣赏。
文学接受与传统文艺学中"文学欣赏"或"文学鉴赏"的概念既有联系又有区别。文学接受是指对文学作品进行阅读、欣赏与再创造的一种特殊的审美精神活动。它包括着文学欣赏或文学鉴赏的基本涵义与特征。但是，文学鉴赏是以欣赏对象即作品为中心的，而文学接受则与20世纪70年代开始跃起来的接受美学相联系，主张在文学接受过程中以读者为中心。由于他们的理论背景不一样，因此在理解作品与读者关系时侧重点也产生差异。接受美学作为理论的一个派别，特别重视对艺术接受过程中阅读主体再生产、再创造特点的研究，认为作品的意义只有在阅读过程中才能产生，它是作品与读者相互作用的产物，而不是隐藏在作品之中、等待着人们去发现的"神秘之物"。接受美学的理论家姚斯曾说:"一部文学作品，并不是一个自身独立、向每一时代的每一读者均提供同样的观点的客体。它不是一尊纪念碑，行而上学地展示其超时代的本质。它更多地像一部管弦乐谱，在其演奏中不断获得读者新的反响，使本文从词的物质形态中解放出来，成为一种当代的存在。"这就是说，文学接受具有"对话性"特点，作品离开读者主观的参与、评价与创造，其意义是不可想象的。因此，文学接受是一种以文学文本为对象、以读者为主体、以把握文本深层意蕴为目的的积极能动的阅读和再创造活动，是读者在审美经验基础上对文学作品的价值、属性进行主动选择、接纳或扬弃的过程。

(一)接受者的语言文字能力

文学接受必须具备一定的语言文字能力。识字只是语言能力的基础，对于阅读文学作品而言，更重要的是语义知识、语法规则、语用习惯与语言经验。他们构成了一个读者必须的语言综合理解能力，是特定的语言环境长期熏陶和相当程度的语文教育训练的结果。

(二)接受者的文化基础和思想水平

文学接受者应该具有起码的文化基础和思想水平。文学是社会文化系统的一部分，是特殊的审美文化。它与文化的其他领域保持密切的联系，包容着诸如哲学、宗教、历史、道德等方面的多种信息与内涵。同时，文学作品既是作家思想的载体，又深深地渗透着民族文化精神和社会时代意识。因此，文学接受者面对的是兼容并蓄的文化复合物。他作为主体，要与对象形成响应关系并进入对话状态，必须具有相应的文化知识和一定的思想水平。

(三)接受者的审美能力

文学接受者应当拥有基本的文学审美能力。具体到文学接受，接受者需要有文学兴趣和一定的文学知识，相应地养成文学阅读习惯并不断积累文学经验。更为重要的是，接受者应该按文学的方式阅读文学作品，用审美的眼光来理解审美对象。

H. 怎样理解音乐是再创造的艺术

音乐艺术既生动、鲜明，又飘渺、抽象；既无需借助诠释、译述而能给人以直接的感受，又往往令人觉得深邃高远、扑朔迷离、难以言状。因而这种具有广泛群众性的艺术，又常常被人说"听不懂"，尤其是一些器乐作品。音乐何以这样感人？它怎样表情达意？繁复的品类样式有哪些分辨的线索？解决这些问题，既需要感性的积累，也需要理性的把握。正是：感受到的东西不一定能够很好地认识；只有认识了的东西才能更好地感受它。

音乐--作曲家精心谱写的作品，经过表演家精心唱、奏而呈现在听众面前，并被听众感受到的音乐，实际上是一个特定的音响过程，一个多种要素结合一道，涵载着一定生活内容、思想感情的，活跃、流动、组织有序的音响过程，它续续扬扬，作用于人们的听觉，引发人们种种相应的生活、情感的体验和联想，使人随之步入艺术审美境地，并从中获得某种精神享受和满足。由这段概述引申开去，我们从四个方面对音乐的主要艺术特征，加以简要剖析。
一、音乐是声音的艺术；作为音乐艺术物质材料的声音，是一个超脱了自然原型的特殊的音响体系

这一点是音乐具有与其它艺术不同的种种特殊性的根源所在，也是音乐诸多艺术特征生成的根源所在。音乐不同于口技，不同于戏剧、影视中的"音响效果"，音乐是一种表现力极强的、独特的艺术品种。这首先由于它赖以存在的物质材料，不是一般意义的声音；是人在漫长的历史实践中，经过反反复复的选择而留取下来的，经过多方面加工组织起来的一些特殊的声音，它们源于自然界和社会生活，但又超脱了"自然客体"的属性。譬如，从高低方面讲：太高太低的、不易清晰听辨和不便准确控制的声音，都被陆续淘汰，留下来在音乐中使用的，大体上就是现在的钢琴上所能奏出的那88个音。这88个音各有自己固定的音高；由低至高依次排列起来，成为"音列"。音列中的音根据振动频率的倍数关系，被划分成若干"组"。每组--即每一个"八度"之中，按高低相等的距离，分设12个半音，其中有7个音被称为"基本音级"（如钢琴上的白键音），另5个音被称为"变化音级"（如钢琴上的黑键音，7个基本音级分别命以固定的名称--C、D、E、F、G、A、B，这就是"音名"。变化音级的名称，按基本音级加注"升""降"来称谓。如"升C"（＃C）、"降D"（b D），"升D"（＃D）、"降E"（bE）等等。

为了歌唱方便，各音还命有"唱名"，这便是："Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si"。构成"音列"等等还只是音在高低方面的初步组织。音列中各个音间距离相等，每个音都有等同的意义，而这种相互等同、各自孤立的音是不能表达音乐思想、感情的。因此需要进一步组织：以某一个音为稳定音，其它若干音依不同的倾向关系与稳定音联结成一个体系--调式。
调式种类很多，现在广泛使用的调式有：西洋大、小调式；中国汉族五声调式，其它民族调式等。调式体系中的音叫做"调式音级"。

调式音级除了按各自级数称谓--二级音、三级音、四级音、五级音……--之外，还分别命有专用的名称，如大小调式各组音分别称为："主音、上主音、中音、下属音、属音、下中音、导音"。

调式体系中的各个音级之间，已不再仅仅是单纯的音高关系，同时还构成了旋律和音程的关系。在调式音级稳定与不稳定的基础上，进而将旋律、音程在纵向与横向方面相结合，形成多声部--和声、复调……以上是对音在高低方面的一些选择和加工。同时，在长短方面进行加工，组成节奏、节拍体系；在音质、音色等方面进行选择加工，形成"乐种"、"声种"、"声部"、"乐器组"等等不同意义上的各种分体系。经过这诸多方面的选择、加工而构成的"音乐音响"总体系，其声音的优化程度、美化程度、可操作程度；运动中的稳定与不稳定、平衡与不平衡、紧张与舒缓等内在的动力和逻辑、色彩、力度等等--一整套表现性能，不仅具备了，而且完善、强化起来。对它的掌握和运用，愈益能够体现人的自觉的意愿和要求。这样的声音，也只有这样的声音才成为了音乐艺术的物质材料。
二、音乐是时间的艺术；音乐艺术的展现要在一定的过程中完成

音乐艺术特别生动活跃，特别具有"动人也切""入人也深"的感染力量。为什么？古希腊哲学家、美学家亚里士多德就曾这样思考：为什么音乐的表现力比色彩大如许之多？结论是--因为它是时间性的。事物在运动中存在，人在运动中生活，人对事物的感受和认识有一个过程，人的思想感情的深化、发展也在过程中实现，因此，通过声音运动过程来展现的音乐艺术，对反映运动着的事物，表达发展、深化的思想感情，有着特殊的适应性。调转过来，在欣赏过程中音乐的这种"特殊的适应性"，便转化为特殊的感染力。例如：欣赏一幅摄影或绘画作品《晨曦》：广阔的近景、遥远的天际，金黄与绯红的光芒涂抹着朝霞、铺洒向大地。构图简洁、明快，形象活泼、爽丽。从建筑物的轮廓、路面的净洁以及道旁的花草、人物的眉宇之间，都可以看到脉脉生机、欣欣向荣。然而，这晨曦中的大地怎样地在醒来，勃勃生机又怎样地在涌动……要进一步真切地感受这些，则需欣赏者发挥想像力，将自己身置其境，并使画面上的一切活跃起来去体味。可是欣赏音乐作品情况便不同了。譬如听挪威作曲家格里格《培尔·金特》第一组曲（作品第46号）中的第一曲《朝景》：长笛在中高音区奏出一个四小节的乐句，柔和的68节拍，明亮的E大调，清滢流动的旋律线……明彻的音色、委婉的曲调，在木管组长音的衬托之下，显得格外甘美，令人心旷神怡。接着，这一旋律由双簧管降低8度在中音区奏出，衬景长音改由弦乐组担任。随后，这两句音乐上移大三度，在＃G大调上重复。经过在B大调短暂停留过渡，这一旋律又由整个弦乐组在E大调上奏响。曲调引伸，音区扩展，织体绵延，和声、调性的转换等等，这一切融成一体，注入人们的心田。于是，人们感受到的不是一个静止的"朝霞满天"的画面，而是个有变化的过程，"光线"在变，"色彩"在变，"温度"在变，由太阳"吐露微明"到"喷薄欲出"到"冉冉升起"，勃勃生机也由萌动、积蕴到习习涌动……这些感受获得于一个过程，这一过程也正是音乐展现的过程，二者同步。
音乐艺术有一种引人"介入其中"的力量。这是因为音乐的律动和起伏，会自然诱发人体运动机制产生变化、与之相应。一支队伍集合起来出发行进，没有人喊"一二一"，众人的脚步自然走不齐。倘若此时，有一支军乐曲奏响，它节奏鲜明、雄壮有力：过一会儿请看，人们的脚步随着这乐曲的进行，已经整齐划一。人们都有这样的体验：在聆听音乐的过程中，不仅注意力集中于它，而且肌肉、肢体、喉咙、牙关以至循环系统、呼吸系统都会随着它而张弛。身体运动机制的活动、变化，又直接作用于情绪使之兴奋、波动。所以，没有任何一种艺术能够像音乐这样：可以在一个短暂的时间内，使众多的人按照同一意向感奋起来，而且可以达到那样强烈的程度。正因如此，任何一个国家、一个军队，都要搞军乐、军歌、进行曲和其它能够统一步调、鼓舞士气的音乐。近几年，我国社会音乐生活中突出的问题之一便是品类失衡。希望有更多更好的反映人民奋发进取、建设"四化"的内容，明快嘹亮、催人振奋、鼓壮威风的音乐作品和表演。这是群众的呼唤，人民的呼唤，也是时代的呼唤。

三、音乐是表现的艺术；所谓"音乐形象"是形成于头脑中的形象，是感情化、性格化的形象

表现艺术是相对于再现艺术而言的。这两类艺术都反映生活、表达思想感情，不同的是：再现艺术反映生活要模仿、复现客观生活的形态，创造"看得见摸得着"的艺术形象，通过具体的形象来达意抒情。表现艺术则是将来源于客观生活的思想感情，直接地披露出来。音乐是典型的表现艺术。音乐的音响是感情的直接载体。涵载着感情内容的音乐，给人的感受是直接的，或者也可以称为是"直观的"。人们在从音乐音响中直接获得相应感受的同时，会生发种种想象，这想象可能浮现为具体的"画面"、"图景"、"情境"……生动、活跃的想象，反过来可以强化自己的音乐感受，但音乐自身却没有也不可能提供任何实实在在的可视的形象。例如，欣赏伟大的波兰作曲家肖邦的钢琴作品《C小调练习曲》（作品第10号之12）时，你可以听到：八小节强烈、激愤的引子过后，左手奏出急速上下奔腾、持续不断的音流，有如狂风咆哮；右手奏出带有附点节奏、急促有力的旋律，传递着激越奔放的情绪，气势恢弘。随着音乐发展，情绪愈加高涨，一泻千里，强劲的艺术感染力撼动着人们的心弦。如果，聆听这音乐的听众，对作曲家肖邦崇高的爱国主义品格、炽热的民族情感有所了解，又知道这首乐曲写于1831年波兰起义失败之后，那么他的欣赏活动会更加主动积极，进而捕捉到更多的东西，碰击出更多的"火花"。当然，对作品中艺术主人公的英雄性格，痛苦、不安、愤怒、激昂，对其为祖国的悲剧而感发的慷慨的斗争精神，也会有更加深切的感受。然而，不论听众欣赏过程怎样积极，艺术主人公却不因此而真的呈现在舞台上。演奏这一乐曲的钢琴家也不是英雄"角色"的扮演者，他只在演奏，把作者的、作品中的情感，化为自己的情感，直接、倾心地表现给听众。

四、音乐是再创造的艺术；音乐的表现有稳定性的一面，又有演绎性的一面

歌谱、乐谱是记载音乐的符号。把用符号记载的音乐变为实际音响的音乐，需要通过演唱、演奏，这唱、奏表演即被称之为"二度创作"。二度创作可以无数次地进行，而每次唱、奏，无论对于谱面的原作来讲，还是对于前次的表演来说，都不是"复述"或"重播"，而是对作品的一种再创造。再创造是积极的，包含着演奏、演唱者对作品的再理解；对作者艺术表现意图的再领会和技术、艺术上的再处理、再发挥。因此，音乐表演被看作是"对作品的解释"、"对作品的表现"；也因此优秀的演唱、演奏者被称为"表演艺术家"。

艺术贵在独创，二度创作同样贵在有独到的处理。同是贝多芬《D大调小提琴协奏曲》（作品第61号），海菲兹和大卫·奥依斯特拉赫两位世界著名的小提琴家的演奏，在音色、力度和若干细部的处理上，有很大差别，反映着两位演奏家对作品表现的不同，演奏风格的不同。不论是更加酣畅明丽（前者），或是更加浓郁深情（后者），都使人获得很高的艺术享受和满足。因而，人们绝不缘于他们演奏的各有不同而取此舍彼或厚彼薄此，相反人们会把它们视为同样珍贵的两种版本、两种范例。

乐队演奏也是这样，同是德沃夏克的《e小调第九交响曲》（"新世界"，作品第95号）由托斯卡尼尼指挥演奏的，与卡拉扬指挥演奏的，与小泽征尔或李德伦指挥演奏的，各有艺术表现上的明显差异，各有独到的意趣和价值。于是人们可以发现一种现象：美术鉴赏家、收藏家以持有原作、原件为显贵，而不以握有多种临摹品为荣；相反，音乐鉴赏家、收藏家则以藏有诸多名乐队、名指挥、名演奏演唱家的音响品为富有。其原因就在于临摹是复制；而后者，作品虽是一个，但每人、每次的表演都是一种再创造；各有独到之处的（音响）版本，都别有自己的艺术价值。从音乐这一特点的角度来看，广泛流传下来的音乐作品，大都已不是或者根本就不曾是严格意义上的"原件""原版"。

音乐艺术得以在人们不断进行二度创作的过程中，不断有新的智慧、才华、创造性注入其间，因而具有永不凋谢的生机。音乐艺术之所以特别鲜活，也得益于它流传在不断的再创造、再丰富的基础之上、过程之中

以上所述是音乐艺术的四个基本特征。沿此线索，深入进去、体味开来，可以领会到音乐与姊妹艺术之间是怎样相互通联、又怎样相互区别的。音乐所特有的表现手段、技法、规则、方式等等，也无不根植于此

I. 应该怎样理解艺术欣赏中的再创造

艺术欣赏不只是艺术接受的过程,同时也是欣赏者发挥主观能动性的一次版再创造的过程。由权于欣赏者的个体差异使得这种再创造对艺术欣赏造成深远影响。
西方有句名言“一千个读者就有一千个哈姆雷特”，这句话反映了一个什么艺术观点呢?艺术欣赏不只是艺术接受的过
程，同时也是欣赏者发挥主观能动性的一次再创造的过程

J. 什么是艺术欣赏的再创造

艺术欣赏是人们以艺术形象为对象的审美活动。是人类精神生活的重要内容，是实现艺术的美育社会功能的必要环节。

这种审美活动既包括对象（艺术形象），也包括主体（欣赏者）。

艺术欣赏是对艺术作品的接受，这种接受不是被动的，而是主动的，包括了欣赏者的感知、体验、理解、想象、再创造等心理活动。

艺术欣赏既是对艺术作品中的美的一种发现，又是欣赏者的一种再创造。

在艺术欣赏的过程中，欣赏者所产生的愉悦主要来自两个方面：

① 对艺术家所创造的美的发现

艺术本身的的美不仅包含了生活美、自然美的精粹，而且凝聚着艺术家的心灵美和精湛的技巧；欣赏者面对一件精美艺术品的“拍案叫绝”，既是对艺术家创造性劳动的肯定，也是对欣赏者自身审美能力的肯定。

② 欣赏者对艺术形象的“再创造”

尽管艺术形象规定了欣赏者的感觉、想象、体验、理解等认识活动的基本倾向和范围，但欣赏者总是从自己的兴趣出发去感受艺术形象，理解作品的意蕴；欣赏者在艺术形象的诱导下，结合自身的生活经验去驰骋想象，深化情感体验，使艺术形象的生命在欣赏活动中显得更加活跃和丰富，仿佛欣赏者与艺术家在一起共同创造；由于欣赏者的想象各不相同，因此，在“再创造”的过程中比作品更具有广阔的社会内容，甚至可以用艺术的审美眼光去观察自然、观察生活和体验人生。

艺术欣赏中的“再创造”：

艺术欣赏既是对艺术作品中的美的一种发现，又是欣赏者的一种再创造。

① 艺术形象是欣赏者发挥想象的客观基础

首先要有艺术形象，要有蕴含在艺术形象中的艺术的美。（大的快乐来自于对美的作品的欣赏）

② 欣赏者的审美活动是主动的，不是被动的接受

艺术形象不仅展现了自然的美和生活的美，而且凝聚着艺术家的感情。