设计理论

⑴ 设计理论

一、古希腊的社会制度

古希腊实行的既不是东方那种君主至上的、森严的官吏制度，也不是效法埃及法老那种神权与宗教式统治，而是采取了一种以城邦为单位的奴隶制民主政治，公民议会是最高权力机关，贵族奴隶主、工商业奴隶主和自由民都有权参加、发言和表决，城邦的统治者从公民议会中民主选举产生。这种奴隶制民主政治，最关键、最重要的是直接民主制度，即城邦的政治民主主权属于全体自由民，它不是通过选举代表组成议会或代表大会来治理国家，而是由自由民直接参与城邦的治理。由于古希腊的这种主权在民与直接民主的制度，公民可以听取政治家们的演说和辩论、参与讨论内政外交大事、选举或者罢免官员、决定祭祀、这在一定程度上也刺激了古代哲学与雄辩术的发展。在自由民的心目中，国家只不过是一座神庙林立的卫城，在这里埋葬着创业英雄的遗骨，供奉着本民族的神像，不仅有供集会的广场、娱乐的剧场、锻炼的健身场，还有从事公共事务或者哲学研究的健美、朴素、勇敢的自由民，以及侍候他们并从事着耕种等生产工作的奴隶。这就是一切！希腊人的社会制度体现了对人的（虽然是有限的）尊重，赋予了公民创造的自由，激发了每个公民的主人翁责任感和创造热情，有利于求得自身的健美、和谐与全面发展。正如温克尔曼在《古代艺术史》中所说的，“自由随时都有它的宝座”。所以，希腊人可以同时是诗人、哲学家、批评家，是行政长官、祭司、法官，也是公民、运动员和战士。他们聪明，讲趣味，能集中一二十种才能于一身，但又不会使一种才能妨碍另一种才能的发展。希腊的自由民是为自己的存在而存在，而生活、工作的。他们讲求自身的完善和美，而不是单纯地为帝王贡献。所以，希腊的艺术也是为生活的美化与欢乐而存在的。在希腊人看来，一个人既有思想、又有意志，而且有活泼、敏捷的身体才算是真实的人，乐观、开朗的他们把人生看作行乐，甚至连最严肃的思想和政治制度也都变成了愉快的东西，他们生性充满了对自然、对人生、对生命的豁达开朗、朴素天真的信念。在他们的思想里没有荒诞的信仰和迷信，在他们的生活中只有与神灵同乐，为神展示健美的体魄，为神而装点城邦，用艺术与诗歌创作辉煌的作品，使人暂时脱离现实生活来与神一起分享快乐。

⑵ 设计理论包括哪些、

平面设计，色彩设计，立体设计等

⑶ 平面设计理论的基本概念

（一）、平面设计平面设计是将不同的基本图形，按照一定的规则在平面上组合成图案的。主要在二度空间范围之内以轮廓线划分图与地之间的界限，描绘形象。而平面设计所表现的立体空间感，并非实在的三度空间，而仅仅是图形对人的视觉引导作用形成的幻觉空间。 （二）、平面设计的术语：1.和谐：从狭义上理解，和谐的平面设计是统一与对比两者之间不是乏味单调或杂乱无章的。广义上理解，是在判断两种以上的要素，或部分与部分的相互关系时，各部分给我们的感觉和意识是一种整体协调的关系。2.对比：又称对照，把质或量反差很大的两个要素成功的配列在一起，使人感觉鲜明强烈而又具有统一感，使主体更加鲜明、作品更加活跃。3.对称：假定在一个图形的中央设定一条垂直线，将图形分为相等的左右两个部分，其左右两个部分的图形完全相等，这就是对称图。 4.平衡：从物理上理解是指的重量关系，在平面设计中指的是根据图像的形量、大小、轻重、色彩和材质的分布作用与视觉判断上的平衡。5.比例：是指部分与部分，或部分与全体之间的数量关系。比例是构成设计中一切单位大小，以及各单位间编排组合的重要因素。6.重心：画面的中心点，就是视觉的重心点，画面图像的轮廓的变化，图形的聚散，色彩或明暗的分布都可对视觉中心产生影响。7.节奏：节奏这个具有时间感的用于在构成设计上指以同一要素连续重复时所产生的运动感。8.韵律：平面构成中单纯的单元组合重复易于单调，由有规律变化的形象或色群间以数比、等比处理排列，使之产生音乐的旋律感，成为韵律。（三）、平面设计的元素 1.概念元素，所谓概念元素是那些不实际存在的，不可见的，但人们的意识又能感觉到的东西。例如我们看到尖角的图形，感到上面有点，物体的轮廓上有边缘线。概念元素包括：点、线、面。 2.视觉元素：概念元素不在实际的设计中加以体现，它将是没有意义的。概念元素通常是通过视觉元素体现的，视觉元素包括图形的大小、形状、色彩等。3.关系元素：视觉元素在画面上如何组织、排列，是靠关系元素来决定的。包括：方向、位置、空间、重心等。 4.实用元素：指设计所表达的含义、内容、设计的目的及功能。下面我们具体介绍平面设计的构成方式。 二、元素的运用（一）点、线、面的构成 形象是物体的外部特征，是可见的。形象包括视觉元素的各部分，所有的概念元素如点、线、面在见于画面时，也具有各自的形象。平面设计中的基本形：在平面设计中，一组相同或相似的形象组成，其每一组成单位成为基本形，基本形是一个最小的单位，利用它根据一定的构成原则排列、组合、便可得到最好的构成效果。1.组形：在构成中，由于基本的组合，产生了形与形之间的组合关系，这种关系主要有： 2.分离：形与形之间不接触，有一定距离。3.接触：形与形之间边缘正好相切。4.复叠：形与形之间是复叠关系，由此产生上下前后左右的空间关系。5透叠：形与形之间透明性的相互交叠，但不产生上下前后的空间关系。6.结合：形与形之间相互之间结合成为较大的新形状。7.减却：形与形之间相互覆盖，覆盖的地方被剪掉。8.差叠：形与形之间相互交叠，交叠的地方产生新的形。9.重合：形与形之间相互重合，变为一体。点效果欣赏：（二）渐变
渐变是我常常听说的一种效果，在自然界中能亲身体验到，在行驶的道路上我们会感到树木由近到远、由大到小的渐变。
渐变的类型：1.形状的渐变：一个基本形渐变到另一个基本形，基本形可以由完整的渐变到残缺，也可以由简单到复杂，由抽象渐变到具象。2.方向的渐变：基本形可在平面上作有方向的渐变。3.位置的渐变：基本形作位置渐变时需用骨架，因为基本形在作位置渐变时，超出骨架的部分会被切掉。4.大小的渐变：基本形由大到小的渐变排列，会产生远近深度及空间感。5.色彩的渐变：在色彩中，色相、明度、纯度都可以出渐变效果，并会产生有层次感的美感。6.骨格的渐变：是指骨格有规律的变化，使基本形在形状、大小、方向上进行变化。划分骨格的线可以做水平、垂直、斜线、折线、曲线等个总骨格的渐变。渐变的骨格精心排列，会产生特殊的视觉效果，有时还会产生错视和运动感。渐变的效果欣赏 （三）重复
重复的一般概念是指在同一设计中，相同的形象出现过两次以上，重复是设计中比较常用的手法，以加强给人的印象，造成有规律的节奏感，使画面统一。所谓相同，在重复的构成中主要是指形状、颜色、大小等方面的相同。重复中的基本形：用来重复的形状称为基本形，每一基本形为一个单位，然后以重复的手法进行设计，基本形不宜复杂，以简单为主。重复的类型：1.基本形的重复：在构成设计中使用同一个基本形构成的图面叫基本形的重复，这种重复在日常生活中到处可见。例如：高楼上的一个个窗子。2.骨格的重复：如果骨格每一单位的形状和面积均完全相等，这就是一个重复的骨格，重复的骨格是规律的骨格的一种，最简单的一种。3.形状的重复：形状是最常用的重复元素，在整个构成中重复的形状可在大小、色彩等方面有所变动。4.大小重复：相似或相同的形状，在大小上进行重复。5.色彩重复：在色彩相同的条件下，形状、大小可有所变动。6.肌理的重复：在肌理相同的条件下、大小、色彩可有所变动。7.方向的重复：形状在构成中有着明显一致的方向性。（四）近似
近似指的是在形状、大小、色彩、肌理等方面有着共同特征，它表现了在统一中呈现生动变化的效果。近似的程度可大可小，如果近似的程度大就产生了重复感。近似程度小就会破坏统一。近似的分类：1.形状的近似：两个形象如果属同一族类，它们的形状均是近似的，如同人类的形象一样。2.骨格的近似：骨格可以不是重复而是近似的，也就是说骨格单位的形状、大小有一定变化，是近似的。注意：近似与渐变的区别，渐变的变化是规律性很强的，基本形排列非常严谨，而近似的变化规律性不强，基本和其它视觉要素的变化较大，也比较活泼。 （五）骨格
骨格网决定了基本形在构图中彼此的关系。有时，骨格也成为形象的一部分，骨格的不同变化会使整体构图发生变化。骨格分为：1.规律性骨格：规律性骨格有精确严谨的骨格线，有规律的数字关系，基本形按照骨格排列，有强烈的秩序感。主要有重复、渐变、发射等骨格。2.非规律性骨格：非规律性骨格一般没有严谨的骨格线，构成方式比较自由。3.作用性骨格：作用性骨格是使基本形彼此分成各自单位的界线，骨格给形象准确的空间，基本形在骨格单位内可自由改变位置、方向、正负，甚至越出骨格线。4.非作用性骨格：非作用性骨格是概念性的，非作用性骨格线有助于基本形的排列组织，但不会影响它们的形状，也不会将空间分割为相对独立的骨格单位。5.重复性骨格：是指骨格线分割的空间单位在形状、大小上完全相同，它是最有规律性的骨格，基本形按骨格连续性的排列。（六）发射
发射是一种常见的自然现象，太阳四射的光芒就是发射的。发射具有方向的规律性，发射中心为最重要的视觉焦点，所有的形象均向中心集中，或由中心散开，有时可造成光学动感，会产生爆炸的感觉，有强烈的视觉效果。发射的分类：1.中心点的发射：由此中心向外或由外向内集中的发射。2.螺旋式的发射：螺旋的基本形式已旋绕的排列方式进行的，旋绕的基本形逐渐扩大形成螺旋式的发射。3.同心式发射：同心发射是一个焦点为中心，层层环绕发射，如箭靶的图形。
（七）特异
特异是指构成要素在有次序的关系里，有意违反次序，使少数个别的要素显得突出，以打破规律性。特异的分类：1.形状的特异：在许多重复或近似的基本形中，出现一小部分特异的形状，以形成差异对比，成为画面上的视觉焦点。2.大小的特异：在相同的基本形的构成中，3lian素材，只在大小上做些特异的对比，但应注意基本形在大小上的特异要适中，不要对比太悬殊或太相似。3.色彩的特异：在同类色彩构成中，加进某些对比成分，以打破单调。4.方向的特异：大多数基本形式有次序的排列的，在方向上一致，少数基本形在方向上有所变化以形成特意效果。5.肌理的特异：在相同的肌理质感中，造成不同的肌理变化。（八）对比
对比有时候是形态上的对比，有时是色彩和质感的对比。对比可产生明朗、肯定、强烈的视觉效果，给人深刻的印象。在自然界充满了对比，天地、陆海、红花绿叶都是对比的现象。构成对比的关系，包括：大小、明暗、锐钝、轻重等。
对比的分类：1.形状的对比：完全不同的形状，固然产生一定的对比，但应该注意统一感。2.大小的对比：形状在画面的面积大小不同，线的长短不同所形成的对比。3.色彩的对比：色彩由于色相、明暗、浓淡、冷暖不同所产生的对比。4.肌理的对比：不同的肌理感觉，如粗细、光滑、纹理的凹凸感不同所产生的对比。5.位置的对比：画面中形状的位置不同，如上下、左右、高低等不同位置所产生的对比。6.重心的对比：重心的稳定、不稳定、轻重感不同所产生的对比。7.空间的对比：平面中的正负、图底、远近及前后感所产生的对比。8.虚实的对比：画面中有实感的图形称之为实，空间是虚，虚的地方大多是底。需要注意的是：在对比的使用中，要求统一的整体感，视觉要素的各方面要有一定总的趋势，有一个重点，相互烘托。如果处处对比，反而强调不出对比的因素。

⑷ 1.试论述现代设计理论与方法的特点。

现代风格外形简洁、功能强，强调室内空间形态和物件的单一性、抽象性。

现代简约风格，顾名思义，就是让所有的细节看上去都是非常简洁的。装修中极简便是让空间看上去非常简洁，大气。装饰的部位要少，但是在颜色和布局上，在装修材料的选择配搭上需要费很大的劲，这是一种境界，不是普通设计师能够设计出来的。

无疑，现代简约风格的装修风格迎合了年轻人的喜爱，都市忙碌生活，早已经让我们烦腻了花天酒地，灯红酒绿，我们更喜欢的一个安静，祥和，看上去明朗宽敞舒适的家，来消除工作的疲惫，忘却都市的喧闹。这也是流行的装修风格之一：现代简约风格。

家具特点

(1)强调功能性设计，线条简约流畅，色彩对比强烈，这是现代风格家具的特点。

(2) 大量使用钢化玻璃、不锈钢等新型材料作为辅材，也是现代风格家具的常见装饰手法，能给人带来前卫、不受拘束的感觉。

(3)由于线条简单、装饰元素少，现代风格家具需要完美的软装配合，才能显示出美感。例如沙发需要靠垫、餐桌需要餐桌布、床需要窗帘和床单陪衬，软装到位是现代风格的关键。

风格特点

（1）室内空间开敞、内外通透，在空间平面设计中追求不受承重墙限制的自由。

（2）室内墙面、地面、顶棚以及家具陈设乃至灯具器皿等均以简洁的造型、纯洁的质地、精细的工艺为其特征。

（3）尽可能不用装饰和取消多余的东西，认为任何复杂的设计，没有实用价值的特殊部件及任何装饰都会增加建筑造价，强调形式应更多地服务于功能。

（4）建筑及室内部件尽可能使用标准部件，门窗尺寸根据模数制系统设计。

（5）室内常选用简洁的工业产品，家具和日用品多采用直线，玻璃金属也多被使用。

饰品特点

现代简约风格饰品是所有家装风格中最不拘一格的一个。一些线条简单，设计独特甚至是极富创意和个性的饰品都可以成为现代简约风格家装中的一员。

⑸ 简述工作特征再设计理论的主要观点是什么

工作设计(job design)是指为了有效地达到组织目标与满足个人需要而进行的工作内容、工作职能和工作关系的设计。也就是说，工作设计是一个根据组织及员工个人需要，规定某个岗位的任务、责任、权力以及在组织中工作的关系的过程。

• 中文名

• 工作设计

• 外文名

• job design

• 学科归属

• 人力资源管理

• 主要内容

• 工作内容、工作职责和工作关系

岗位设计的主要内容包括工作内容、工作职责和工作关系的设计三个方面。

工作内容

工作内容的设计是工作设计的重点，一般包括工作广度、深度、工作的自主性、工作的完整性以及工作的反馈五个方面：

1）工作的广度。即工作的多样性。工作设计得过于单一，员工容易感到枯燥和厌烦，因此设计工作时，尽量使工作多样化，使员工在完成任务的过程中能进行不同的活动，保持工作的兴趣。

2）工作的深度。设计的工作应具有从易到难的一定层次，对员工工作的技能提出不同程度的要求，从而增加工作的挑战性，激发员工的创造力和克服困难的能力。

3）工作的完整性。保证工作的完整性能使员工有成就感，即使是流水作业中的一个简单程序，也要是全过程，让员工见到自己的工作成果，感受到自己工作的意义。

4）工作的自主性。适当的自主权力能增加员工的工作责任感，使员工感到自己受到了信任和重视。认识到自己工作的重要，使员工工作的责任心增强，工作的热情提高。

5）工作的反馈性。工作的反馈包括两方面的信息：一是同事及上级对自己工作意见的反馈，如对自己工作能力，工作态度的评价等；二是工作本身的反馈，如工作的质量、数量、效率等。工作反馈信息使员工对自己的工作效果有个全面的认识，能正确引导和激励员工，有利于工作的精益求精。

工作职责

工作职责设计主要包括工作的责任、权力、方法以及工作中的相互沟通和协作等方面。

1）工作责任。工作责任设计就是员工在工作中应承担的职责及压力范围的界定，也就是工作负荷的设定。责任的界定要适度，工作负荷过低，无压力，会导致员工行为轻率和低效；工作负荷过高，压力过大又会影响员工的身心健康，会导致员工的抱怨和抵触。

2）工作权力。权力与责任是对应的，责任越大权力范围越广，否则二者脱节，会影响员工的工作积极性。

3）工作方法。包括领导对下级的工作方法，组织和个人的工作方法设计等。工作方法的设计具有灵活性和多样性，不同性质的工作根据其工作特点的不同采取的具体方法也不同，不能千篇一律。

4）相互沟通。沟通是一个信息交流的过程，是整个工作流程顺利进行的信息基础，包括垂直沟通，平行沟通，斜向沟通等形式。

5）协作。整个组织是有机联系的整体，是由若干个相互联系相互制约的环节构成的，每个环节的变化都会影响其它环节以及整个组织运行，因此各环节之间必须相互合作相互制约。

3、工作关系

组织中的工作关系，表现为协作关系，监督关系等各个方面。

通过以上三个方面的岗位设计，为组织的人力资源管理提供了依据，保证事（岗位）得其人，人尽其才，人事相宜；优化了人力资源配置，为员工创造更加能够发挥自身能力，提高工作效率，提供有效管理的环境保障。

⑹ 平面设计师需要学习的理论有哪些

一、基础理论
1.平面设计概论：什么是平面设计、平面设计的应用范围、平面设计要素。
2．平面设计基础：透视、构图、色彩基础、平面构成。
3．美术作品欣赏：当代优秀视觉作品、当代优秀创意作品、世界优秀美术作品。
二、Photoshop基础
1、工作界面与基本工作原理：Photoshop基本工作界面布局、预设工作界面、DIY工作界面、Photoshop软件特性与工作原理浅析。
2、基本工具：选取工具、基本编辑工具、视图操作工具。
3、图层类型与图层样式的应用：什么是图层、图层工作原理、图层面板的使用、图层类型与图层转换、图层样式的应用。
4、矢量工具与路径面板的应用：什么是矢量图形、矢量图层与矢量蒙版、钢笔工具的应用、形状工具的应用、路径与路径面板的应用。
5、编辑菜单与图像菜单详解：Photoshop编辑菜单、常用编辑命令、图像菜单、图像色彩模式转换、调整菜单。
(6)设计理论扩展阅读:

平面设计的术语:
1、和谐：从狭义上理解，和谐的平面设计是统一与对比两者之间不是乏味单调或杂乱无章的。广义上理解，是在判断两种以上的要素，或部分与部分的相互关系时，各部分给我们的感觉和意识是一种整体协调的关系。
2、对比：又称对照，把质或量反差很大的两个要素成功的配列在一起，使人感觉鲜明强烈而又具有统一感，使主体更加鲜明、作品更加活跃。
3、对称：假定在一个图形的中央设定一条垂直线，将图形分为相等的左右两个部分，其左右两个部分的图形完全相等，这就是对称图。
4、平衡：从物理上理解是指的重量关系，在平面设计中指的是根据图像的形量、大小、轻重、色彩和材质的分布作用与视觉判断上的平衡。
5、比例：是指部分与部分，或部分与全体之间的数量关系。比例是构成设计中一切单位大小，以及各单位间编排组合的重要因素。

⑺ 艺术设计专业理论是什么

艺术设计就是一门专业。业务培养目标：本专业培养具备艺术设计学教学和研究等方面的知识和能力，能在艺术设计教育、研究、设计、出版和文博等单位从事艺术设计学教学、研究、编辑等方面工作的专门人才。

⑻ 艺术理论与设计理论的区别联系

1.设计与艺术，这两者之间有着很多的相似之处，但本质上却属于不同的学科领域。它们有着各自不同的目标、内容来源及实现方式。设计决策无法单纯的经由直觉、看法或自我来达成，谦逊是设计师最应具备的基础心态之一。
2.本质区别
设计与艺术之间的差异看似模糊，但实际上，通过对在现实当中的实践方式进行对比，你便很容易辨识出其中的不同。一些本质上的区别包括：

3.不同的目标

艺术是关于自我表达的。它有着内在的独立价值，其目标蕴含于自身。而设计则是关于产品和用户的，它的价值依托于外在，目标完全取决于自身提供的服务类型以及用户希望通过该服务所达到的目的。所以，设计是情境化的概念，实用情境决定着设计的存在意义。

艺术具有思辨性。它会使你思考，会为了挑战规则而挑战规则。它能唤起人们的情感，能激发争论，能表现艺术家独一无二的特质。它还会制造险阻，无论出于好的或是不好的目的。而设计则在于缓解摩擦，帮你更轻松的解决问题。挑起争论绝不是设计的目标，它只为更好的执行中立性的功能而存在。它会面对现有的问题与挑战，帮助人们提升效率，降低完成任务的成本。

4.艺术具有探索性。艺术家会将自己置身于险境，盲目却勇往直前的探索着新的概念、风格或信念，有时让人觉得难以捉摸。而设计则在于谨慎的观察与迭代，在于对解决方案的验证及持续改善。它会充分利用和优化已有的模式，以此为基础进行选择性的创新。

艺术用于欣赏。艺术作品可以供人们赞赏、思考或鄙视。好的作品都来自于艺术家的内心，能反映出艺术家自身的特质。设计则关乎功能性，用来帮助人们完成目标任务。好的设计来自于设计师对目标用户的深刻洞察与理解，它能反映出用户自身的现实需求。

所以：艺术是关于艺术家的，设计是关于产品和用户的。

⑼ 平面设计理论

A、平面不平

二十多年来，我自己有过很多幸运的事。比如在我吃这碗饭之初，偶然在旧书摊上买过一堆“TIME”杂志，这是永远令我感到兴奋的回忆。因为那时我正被眼花缭乱的设计弄得五迷三倒，无师可从，这堆旧杂志让我开了眼，见识了正点。 认真阅读TIME杂志，一切有关平面设计的技巧都囊括其中，而且毫不张扬，温文而雅，为抄袭者提供了大量改头换面的空间。我对平面设计的理解很多来自这堆旧杂志。

“平面不平”是我对平面设计中画面效果的一种理解，很多人把它叫做版式、构图、结构、形式感…都可以，我喜欢把话说得简单。拜读了很多好的设计后，我感到设计师们都在有意无意地追求着“不平”的效果。即利用各种平面元素，在平面材质上（比如纸张等），努力拉伸视觉空间。这一理论，画家塞尚早我们一百年就开始尝试了，并已作到了极致。令我很感叹的是一百年前最不商业的令人类恐慌的艺术变革，一百年后却变成了最最商业的平面艺术，多有意思。

这一空间概念涵概了自然空间感受与矛盾空间感受。随设计师的爱好、版面要求、视觉冲击需求、自由选择。现在已经没有很多人大惊小怪了，但无论展现自然空间感受，还是矛盾空间感受，设计师所使用的技巧（或称元素）是有规律的。把它们归纳在一起也有一大堆。比如：打洞；夸张暗影效果；使用极具真实性与质感的图象；实物元素与绘画元素的对比使用；利用色彩之间的反差效果；利用线与色条的叠压效果；利用文字与图形、文字与文字的叠压效果；文字之间大小比例关系的对比等等。因为篇幅所限，不作细解，今后可将范例作品与理论文字对照比较，一目了然。

B、色彩中的音乐
色彩是平面作品中的灵魂。想运用好它一定要了解一些纸张与油墨的知识。不同纸张与不同油墨的组合，会产生出绝对不同的效果。但我们与画家的区别是：平面设计师手中的颜料只有四管儿，但它可以依靠网点的疏密特性，调和出所有我们可感知的颜色。这真是一项神奇的发明，作为印刷技术的原创民族我们感谢德国人。 利用网点与纸（白色）的配合，我们才能让油墨显得更均匀、鲜艳和干净。但这只是技术上的事，设计师在设计工作中对色彩的运用还要更多的依靠灵性。

我常希望身边的设计师朋友们能学习一些音乐，这并不是故弄玄虚，用音乐的理论解析色彩真是简单直白，这是我的发现。
a. 首先懂得音乐的人都知道在乐器上找不到一个固定的音，音符“叨”随调式改变着位置，不同的调式传达出不同的感情，适合着不同的乐器与人声。这与我们运用色彩的道理是一样的，整幅画面的基调与情绪是通过画面色彩的冷暖传达出的。但从小我们头脑中的色彩冷暖关系就是固定的。红色偏暖，蓝色偏冷。其实这是一个错误的概念。
如同音符一样，颜色随周围环境的变化转换着调性（冷暖关系）。懂得这一道理，蓝色也可以被我们渲染成暖洋洋的样子。 因为屏幕的关系，平面设计师已经不习惯给颜色以文学式的命名，比如洋红、群青、湖蓝，取而代之的是更简单，更直接的4个数字。这很好，符合商业时代或叫数码时代的要求，是个机械式的要求。对色彩调性化理解是对平面设计师灵性的训练。

b. 其次和弦与旋律概念在平面设计中的应用 玩乐器的朋友都懂得另一个道理，无所谓哪一个音好听与难听，音符一定要放到一起去，才能叫音乐，否则“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“嗖”放在一起就变成了和弦“C”。这好比颜色中红蓝白的搭配一样，永远和谐。和弦可以继续往里添加新的音符，比如加个“来”这个和弦马上变了情绪，变成了一个7和弦。如果把“咪”换成降“咪”就更是大相径庭地跑到蓝调里去了，就好像在红蓝白的组合中，配上紫色或桔色给人的视觉感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符进去，成为9和弦，13和弦……在色彩上就好比我们常说的高级灰。

明白这个道理后，我们就会更直接地理解颜色是应该分组使用的。这些组合的基础应该向和弦C、D、E、F…一样，有一个最原始的搭配，设计师想不断变化，就在这些组合里求变吧。你一定要把没关系的颜色放在一起，就象”发“和”希’谁也不挨着谁，两者之间没关系，你的画面一定平淡；如果你一定要把敌对的颜色放在一起，准会难看。运用和弦的道理去理解色彩，你会立刻跳出色彩贫乏的误区，发现眼前可用的颜色太多也太美了。合理搭配的色彩组合把画面的视觉空间不断拉伸，让画面不仅绚丽而且厚实，这就是色彩和弦的作用。

但仅仅有了和弦就能成为音乐吗？不对，音乐还需要旋律，没有旋律的音乐不好听。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我们眼睛观看一幅作品的过程。一幅招贴也罢，一本宣传册也罢，都存在着一个先看到什么，再看到什么，最需要人们看到什么，记住什么，回味什么的问题。这些就构成了平面作品的旋律，让观众的眼睛什么时候紧张，什么时候休息，最后停留在哪个地方，这是设计师最需要动脑子考虑的问题。

c. 节奏 根据我的建议，长时间以来，我的设计助手们一直在总结、记录各种各样的色彩组合。
从名家的作品中，从各民族的图案里，从自然景物中，然后在实际的工作中我们使用这些颜色。比如我们为“好伦哥”比萨饼店做的小折页里所使用那一组颜色，就是从蔬菜和水果里找到的。因为我们需要一套让人看了就饿的颜色。但问题很快就来了，许多我们在名家的好设计里总结出的颜色组合，再经过我们使用后就变了样，没了神儿，这是为什么呢？真让我们苦恼了一阵子。

起先我们还以为是在颜色记录时出了问题，查对的颜色不够准确，再后来的很多次实验都不成功，但幸运的是疑惑了很久还是让我们找出了原因。原来色彩的使用与音乐中的节奏一样，需要比例，许多好看的色彩组合还需要合理的色彩比例控制，在特定的条件下某个颜色的使用面积一定要大，某一颜色就要小，某些仅仅是为了透气，某些就是为了压沉，再往下我就没有信心继续寻找规律了，实在是变化无常。但可以肯定的是平面作品一定需要一种节奏的控制，控制节奏的元素有很多，它们中常用的就是颜色、图片与文字排列。 就象文章的刚一开头说的那样，我们一直在寻找一个没有定律的答案，正是因为没有规律，平面设计才显得有趣味，并且充满挑战 、刺激。许许多多的机会就是在无序中诞生的。