设计手绘

㈠ 学设计是不是必须要会手绘

手绘是要学的，到专业的电脑院校学习，老师都是零基础教学的哦

㈡ 你知道手绘与平面设计之间的差异吗

对绘画与平面设计(以下简称设计)感触最深的莫过于平面设计师了。设计师不但需要具备绘画的基本造型技能与审美意识，更需要具备对形式美法则的特殊理解和艰深快捷的创造意念。出于职业的因素，对其间的异同性，不得不去思考与论及。一种人认为：只要有绘画的造型功夫，设计便不成问题。而另一种人则认为：设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就会设计。持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则为职业平面设计师。本文就此话题悟出的几点看法逐一阐述，欲起到抛砖引玉的作用。 1.现代绘画是个性的表露 绘画的意义在于创新，而创新只有通过个性化才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。如果我们回顾一下绘画的发展历史就会发现：无论任中国还是在西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的平面设计作品。每一位巨匠都具有自己独特意义上的典型符号。画家尤其是现代派画家，他们在创作时完全可以不考虑其作品的社会性。在某种意义上，任何画家其作品的生命力都在于极端个性化，通过作者对美的形式法则的特殊理解以达到创造新的形式美。可以这么说，任何一个伟人的画家，在他的身后都会有自己独特的美的符号存在。从这种意义上说，画家不得不把自己个人主观意志的潜能发挥出来，最大限度地表现自我。为此，梵高无疑具有着最典型的代表意义。梵高在他生前生活的极端艰辛的条件下所创造出的大量作品未曾被拍卖过，就是因为其作品太个性化太超前以致不能被当时的人们所理解。而设计师作为商品的美化师，他们的个性公很多场合下必须被泯灭，其作品的意义才能够被实现。现代绘画个性化的表露还体现在五花八门的创新观念上。当今的世界走一个信息高度发达的世界，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考和创新的课题。在西方艺术形式复杂多样的今天，绘画似乎处于一种低迷的形态。艺术家们为了发现具有个性的独创，往往采用一些不同种类艺术间的结合，或是运用艺术和科学的结合以实现自己的艺术目标。我们在展览馆里常常可以看到，一幅绘画作品一部分是用超写实绘画的形式表现，而另一部分则是用活人的躯干与画面组合让你真假难以分辨，或是看到绘画作品用电脑形式去播放以吸引观众的注意，这些所谓个性化的艺术品在现代派绘画的展览中屡见不鲜，这些艺术的生命力也在于它们独特而富于个性化的形式上，艺术家们完全不必去考虑观众能否接受，而只要考虑自己的艺术，如何具有个性就可以。对此，设计家是绝对做不到的。 2.依附性是现代设计在商品经济中的本质反映 设计与绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场服务时必须具备价值与使用价值，要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，它必须通过市场竞争的检验，设计最后的成功与否在于它能否达到美化产品最终实现促销的日的。现实中几乎每一位设计师在为客户服务时，都尽量去迎合和满足客户对设计的需要。一方面设计师必须站在客户的角度去猜测客户的心理以使得自己的设计方案得以通过。另一方面，客户可能对市场的把握了解远胜过设计师，设计师不得不服从客户对他的要求。在设计过程中设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，也许自己认为很满意，但最终的评判则要通过客户对其设计能否认可。在这里有一种情形可以肯定：那就是被客户选中的未必就是好作品，未通过的方案不一定就是坏作品。我们常常可以碰到这样的情况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中，二个方案很满意，而客户往往选中的却是设计师自认为的陪衬方案，最终的裁决是客户，设计师只有屈服于他们的上帝，这就是市场。设计对商品的依附性还体现代市场是设计的指挥棒，市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。一种情况：与市场处于经济危机形态、商品大量积压、消费者购买力下降时，商家对设计就不很关心。如1991年海湾战争爆发之初，欧洲主要工业化国家生产过剩，各厂家处于严重的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到的回答是：经济不景气我们暂时不需要设计，现有的设计就足够广另一种情况是：当市场某种产品在卖方市场产品供不应求时，厂家对设计根本不屑一项。可以这么说，在商品经济不发达的社会状况下上谈论设计水中的提高根本不现实。我国的设计业所经历的坎坷历程足以说明这个基本观点。 3.对混浊美的追来是绘画艺术的本质体现 绘画与设计的区别不仅仅体现任个性化与依附性上，还体现在对形式美规律追求的差异性上。混沌一词翻开词典，释意曰：指宇宙形成以前模糊一团的景象。中国人喜欢含蓄，认为含蓄就是美。混沌本身就体现着一种不确定耐人寻味的因素，这和中国的古典哲学与宗教相关联。中国古典绘画所体现的空、灵、气韵以及墨分五色用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都是为了在寻找一种不确定的混沌美。虽然这些手法在设计中也偶尔能见到，但一般来说仅是借用绘画的表现手法，以增强设计的艺术性而且。它不是平面设计最终追求的表现手段和美学思想，我们从杉浦康平等大师的作品中就可以体会出这一观点。具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从表面上他是在追求中国画空、灵、气韵的境界，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的基本构造原理加以组合。这种空灵混沌美的境界只是作为设计的一个组成部分而不是全部，希望最终能真正反映出这会系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对绘画与设计关系的把握上。在西洋绘画方面，虽然流派众多，追求的目标形式各异，但整体精神同样是在追求混沌美。古典油画尽管形态表现细致、逼真，但其意境追求的则是深奥悠远，发现出不确定的混沌美。而现代派追求的则是标新立异的多变，这样追求的是超现实荒诞的不确定，米罗追求的是童趣下海底世界般的梦幻，体现着不确定的混沌美，柏洛克则拎着颜料桶在画布上同处滴洒不拘一格，他似乎是更接近在追求着宇宙形成以前模糊一团的景象。 绘画对混沌美的追求不仅仅体现在流派上，而且更体现在对材料肌理的选择上。何种题材何种效果，需要何种肌理是绘画追求混沌美的因素之一。绘画，尤其是现代绘画，在一幅作品中选择综合材料已到了随心所欲的境地，多种材料的运用旨在加强画面的混沌美效果，通过扑朔迷离不确定的材质肌理因素以达到变化多端的目的。 4.秩序美是平面设计的核心体现 设计不同于绘画还体现在对秩序美的追求上，现代设计对实体的进一步把握是形式法则。形式是实体的具体化、丰富化、精确化。可以看出德漠克得特以原子结构来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体(宇宙这个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义)，在设计方面数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计理论，对平面设计的贡献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰·契肖德所发明的数字逻辑形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔·罗塞利奥对哥特式圣经内页边缘数值比例的发现，即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个1/9作为内边，两个1/9作为外边，开本宽度尺寸的一个1/9作为天头，两个1/9作为地脚的规律。而在1946年，方·德·格拉夫根据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，发现了用几何计算的简单方法取代九段划分法，这种方法被称为蛇瓜式划分法。在现代设计史上对20世纪影响最大的代表人物是勒·科布歇，他运用建筑学的基本理论根据人体比例进行黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的贡献，后来被运用到平面设计中。模数理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割，之后勒·科布歇将之变为44个长方形进行空间分割。模数体系的核心，就是试图利用人们对级数变化心理反应所产生的秩序美进行设计。在勒·科布歇发明模数之后，欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推进，最终形成了网格设计的理论体系。网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中的运用达到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清晰感。总之，它是以理性的数理为基础的形式法则在平面设计中的运用。从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序数理的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。 5.平面设计的独立性体现在版式编排和字体形态上 绘画是以图的形态传达着信息，一幅好的绘画作品可以浓缩巨大的信息内容，是文字高度浓缩的载体，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于绘画与文字传播的功能存在着较大的差异，绘画作为单独的艺术作品其画面不存合文字说明，而设计无论是作为专门独立的艺术，还是特地为某种产品服务都必须有文字说明。只有通过文字形态的存在，其自身价值才能够得以体现。既然绘画艺术可以无文字表述出现，故此它也就不存在版式编排问题。现代平面设计作为版面设计(typography)有两种概念意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的组合，这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在，一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异丰富了版式编排的多样性。从世界范围来看，各国各民族文字从形态演化过程都来源于画图记事与图相联系。如果把这种图形称之为绘画的话，那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源，但从现代设计的角度和世界文明史的进程来看待这一问题，就会发现文字的形态特征显然已完全抽象独立于绘画。此外，在世界所走过的近一个世纪的现代设计发展历程中，前辈设计师们在实践中总结出了一系列版式编排的形式法则，构成了现代设计的基础理论，如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、对比、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德国标准比例、动力对称学说、草席形、立体派格调、螺旋形、模数等等都集中体现了平面设计的独特诺言。而影响版式编排艺术性的字体形态已逐渐发展成为新的设计学科。从本世纪初至今，西方许多发达国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科。亚洲的日本、韩国等也没有相应的机构。由此可见，设计有别于绘画是独立于绘画而具有时代特征的专门学科。 6.绘画与设计的差异性体现在各自的实现方式上 由于绘画与设计存在着巨大功能上的差异性，同此，在工艺制作的实现方式上也就存在着本质的区别。绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比例。如果说绘画在艺术的再创造下是一个新观念新手段的思维过程，那么绘画在技术中所包含的材料、技巧等一系列加了手段则是完成和实现这种思维的最终目标。任前文中曾提到的绘画是个体劳动并突出表现个性的单一行为。同此，这就决定了作为同一内容单幅独立的绘画作品，绝对不能重复存在，并且呈现给观众的必须是手工制作的真实的肌理材料。如油画用的是以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。国画以笔、墨、宣纸、帛以及以水溶性颜料为主的肌理特征。而作为设计其产生与发展和商业行为结伴而来，是随着商品经济的激烈竞争而出现的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征，在其实现方式上必然是在脑力劳动创造下的和机器大生产相结合的物化过程。在过去近一个多世纪的发展历程中，设计从来都是以机器印刷的方式来证明自己的价值。它从未脱离过大机器生产而独立存在。即使是在国际各种设计比赛中，设计作品的机器生产工艺水平也是评判的重要组成部分。现今虽然时代变了，科技有了长足的进步，电脑的产生无疑给设计业带来**性的变化。设计作品的产生方式更加体现f机器的智能化、工业化、系列化，越来越显示出机器的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还应懂得机器的印刷功能，印刷装订工艺，还应懂得在何种状态下，机器墨色套排序列会对作品产生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能都会影响设计作品的最后质量。而绘画作品的产生方式属于纯手工艺品，它和机器大生产无关，故此也就不必去劳神考虑机器的性能和工艺加工程序。 综上全文，绘画与现代平面设计有着巨大的差异，二者之间的关系属于两个不同性质行业之间的关系，是实用性与观赏性的关系，是多层次、多社会性的理性思考与情感宣泄，表现个性才气的关系，是体现工业化水平与千万艺者技巧的关系。虽然本文在此强调了二者之间的差异性，但并不否认二者之间的联系性，如：早期绘画与设计的起源、艺术规律的相似性、设计必须具有绘画审美意识的基本特征、审美意识的趣同性等一系列重要课题，都不能将之人为地割裂开来。我们只有正确地把握绘画与设计的养异性，掌握适度的分寸关系，运用二者之间共性的基础理论才能对这一问题有着客观深刻的科学认识。

㈢ 如何学习室内设计手绘

我来帮你·首先我学绘画出生的·
你之所以 自己画的时候感觉 不对~很大的原因就是透视不对！ 你必须 学会 一点 二点 三点 基本的透视· 近大远小 近高远低
其次就色彩问题· 你想给客户怎么设计 你就直接表现在画面上· 暗的地方多用深色 亮的地方多用浅色
接着就是 画面的整体感· 不要太花 要有主体颜色（你在给人设计房子是也是）
那本书 还算了· 太贵不说 不合算 你就买个基本透视的书 解决这个之后 你就必须多加刻苦练习了 多临摹别人的优秀作品 多注意别人是怎么上色的 怎么处理画面的 （很多高手开始都是临摹别人的）之后 逐渐有自己的特色·（当然这是后话）
工具吗？ 马克笔 彩色铅笔 纤维笔 针管笔等。 看你自己喜欢的· 我个人比较喜欢 彩色铅笔+马克笔辅助·~
你是搞室内设计的 多注意自己的想法。其实 手绘只是的一种表现形式· 重要的还是你的想法-设计~！
照我说的 3个月 一天至少5-10张临摹（手绘都是时间积累）起来· 不说100%也有95%的 成果！
冰冻三尺非一日之寒！
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你也说了 透视的知识你都懂· 剩下的都是多多练习了· 我开始学画的时候 画什么不像什么 后来画的多了也就好了··达芬奇 开始还画鸡蛋了。~
你没事的时候 就 画画线条· 直线 斜线 练习 一天30张都不足为怪· 手头功夫是需要时间的·~
你看视频别人怎么画 其实画法都差不多· 只不过就是 别人手头功夫 比你好· 整体比你准而已· 时间久了 你也一样 熟能生巧!

㈣ 珠宝设计手绘手稿图过程

过程分为：①草稿 ②快速表达绘画③产品效果图

对于珠宝设计师而言，所有的创意设计都起源于手绘。手绘稿是他们最重要的思维表达方式和创意创作的过程。每一张手绘稿都勾勒出珠宝设计作品的思想和灵魂。

手绘是珠宝设计创作启蒙的最佳表达方式，所有伟大的设计都起源于手绘稿。 在设计中，有一半是有节制地发挥想象，有15%是完全疯狂的创意，剩下就是设计师怎么用手绘把他们天马行空的创意设计在白纸上描绘出来了。

手绘图表现：是设计师艺术素养和表现技巧的综合体现，它以自身的魅力、强烈的感染力向人们传达设计的思想、理念、以及情感，手绘的最终目的是通过熟练的表现技巧，来表达设计者的创作思想。

手绘，自然是一种审美创造活动，也是在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。更是人们对现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。

拓展资料：

手绘图表现：是设计师艺术素养和表现技巧的综合体现，它以自身的魅力、强烈的感染力向人们传达设计的思想、理念、以及情感，手绘的最终目的是通过熟练的表现技巧，来表达设计者的创作思想。

手绘，自然是一种审美创造活动，也是在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。更是人们对现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。

而珠宝首饰设计师是个既特别又神秘的一个职业。无论我们经常在逛珠宝店还是在时尚杂志里看到那一件件华丽的珠宝首饰都是由珠宝设计师设计出来的。

㈤ 平面设计专业 手绘 包括什么

最基础的就是素描
三大构成（平面，色彩，立体）
手绘POP
家装效果
插画
手绘VI

㈥ 什么是手绘 手绘的概念

手绘从字面意义上理解为用手去绘，即用手作为工具去绘画或描绘，那么绘的对象也没有界定，既可以在纸上绘，还可以在布料、墙面、瓷器甚至人体上绘画等，所以我们所熟知并与之对应的就是各种纯艺术手绘（素描、速写、水彩、国画、油画等），当然还有专业性很强的设计类手绘（建筑、景观、室内、工造、视传、动画等），不同材料的手绘有手绘衣服、手绘墙（手绘涂鸦），手绘马克杯、人体手绘、字体手绘pop等等。以上涵盖了与手绘相关的所有内容，应为手绘的广义概念。
所以手绘一词的范围非常大，然而手绘一词的出现是基于图像信息传播的需求而诞生的，当语言不能完美表达和阐述信息的时候，手绘的图表就应运而生，比如古时候的地图，宫殿庙宇民居的建造图纸，以及现在设计行业的图纸等等，因此手绘的狭义概念应为：各个行业手工绘制图案图表的技术手法，设计类手绘主要是前期推敲设计方案的构思型手绘和设计成果部分的表现型手绘，前期部分称为草图，后期部分称为表现图或者效果图。
再所以，设计类专业的学生在称呼手绘的时候，应该在手绘前加个定语，较专业的称之为设计手绘，当然本专业的人大多都明白这个意思，所以有的干脆去掉了设计二字，那么同行间交流时候基本都意会手绘的概念了，但是很多非专业人士却知之甚少，所以最好还是称为设计手绘。

㈦ 手绘在设计中有什么作用

1、手绘从灵感出发，练习初期可以适当临摹，但一定要坚持从表达设计灵感开始练习。为此，必须把提高自身的专业理论知识和文化艺术修养，培养创造思维能力和深刻的理解能力作为重要的训练目的贯穿学习的始终。
2、经常练习，尤其是线条。所谓养兵千日，用兵一时。相信长期坚持不懈的练习定能让你我笔下的线条酣畅淋漓，将设计意图彻底裸露在大家面前。
3、结构是严谨的。练习中科学把握物体的位置、大小、比例、透视、色彩搭配、场景气氛等。因而，必须掌握透视规律，并应用其法则处理好各种形象，使画面的形体结构准确、真实、严谨、稳定。
4、除了对透视法则的熟知与运用之外，还必须学会用结构分析的方法来对待每个形体内在构成关系和各个形体之间的空间联系，学习对形体结构分析的方法要依赖结构素描的训练。

5、构图布局。构图是任何绘画形式都不可缺少的最初表现阶段，手绘设计表现图当然也不例外，所谓的构图就是把众多的造型要素在画面上有机的结合起来，并按照设计所需要的主题，合理地按排在画面中适当的位置上，形成既对立又统一的画面，以达到视觉心理上的平衡。
目前在设计界，手绘图已经是一种流行趋势，在工程设计投标中经常能看见它的出现。许多著名设计师常用手绘作为表现手段，快速记录瞬间的灵感和创意。手绘图是眼、脑、手协调配合的表现。“人类的智慧就是在笔尖下流淌”，可想而知，徒手描绘对人的观察能力、表现能力、创意能力和整合能力的锻炼是很重要的。
手绘图可以分为“方案草图”和“手绘效果图”
一、 方案草图（设计师是离不开草图的）
所谓“草图”，表达的是设计师瞬间的灵感，草图是记录设计产生的一个过程，并不是设计的最终目的。随手的勾画可以为设计师汇聚很多灵感，有助于设计的产生和发展延续，并将这些草图加以整合，去做“手绘效果图”或电脑效果图。在这种手和脑的对话中，设计师的创意逐渐变为了现实。但是，“方案草图”的返璞归真，终究是为设计的全面表达服务的，“方案草图”的力量和力度也应该体现在设计的亮点上。

㈧ 手绘到底是什么

手绘与我们来的现代生活自密不可分，建筑、服装、插画、动漫……手绘的形式分门别类，各具专业性，对建筑师、研究学者、设计人员等设计绘图相关职业的人来说，手绘设计的学习是一个贯穿职业生涯的过程。手绘培训是一种以手绘技能需求为对象的教育训练，对现代社会设计美学的传承有着不可取代的现实意义。

㈨ 产品设计怎么练手绘

手绘是做产品设计的设计师必备的一项技能。
手绘表达的过程是设计思维由大脑向手的延伸，并最终艺术化地表达出来的过程，那么，怎么练习手绘 。
认为，可以从以下三点来练习。
1，临摹：手绘的学习不是一天一百张的练习，而是很多天很多张的练习。
临摹要想快速的进步，临摹一直以来都被视为一种很好的学习方法，学习去临摹别人的作品，可以从简单的开始，可以直接和有效的学习别人的经验，是一种学习的表现形式。
临摹也要分阶段的临，第一阶段完全手绘临摹，第二阶段百分之叁十手绘临摹，第叁阶段百分之六十的手绘临摹，第四阶段便是质的飞跃，百分之八十的改变，基本就将原改的面目全非。
在临摹的时候也要有意识的去批评原作的缺点，在批评中改进手绘的技法。
手绘论坛，手绘技法 大禹手绘兵工厂。
2，写生： 它是检验个人所学美术知识的基本实践方法，多去实践可以为自己的绘画打下坚实的造型基础。
写生是重要的表现基础，用结构素描或速写的方式来写生，是基础中的基础，主要训练对目标整体结构的把握。
画静物画、风景的方式来写生，主要训练对目标色彩的把握。
写生写生室内效果，景观效果，建筑效果，速写等，在写生的过程中把握好透视，组景，手绘的能力会得到潜移默化的提高。
第叁步：创作设计在设计的过程中练习把握能力，看对室内效果，景观效果，建筑效果的综合应用能力，在这个过程中才是需要最后的努力的。
建筑内部和建筑外部风景写生是画效果的基础，是对目标及环境色彩的训练，尤其是建筑和景观效果。
在画建筑内部和建筑外部的写生时，不要忽略对室内配景和室外配景的练习。
室内的例如：各种家具，室内盆景植物，灯具，人物，装饰物，室内织物等。
阴影和材质也是极其重要的表现因素。
在实践的过程中要注意一些事项：下笔之前，要对所画的对象感兴趣，这样才能全心投入地去观察，去认真分析所画对象的形体关系，准确地描绘形体结构。
画时要注意整体关系上的把握，如明暗、主次等关系，不要被细节所左右。
特别是要求快速表现的时候，画时也不要太过拘谨。
3，默写： 默写可以增强个人记忆和对物体形体结构的理解，是一种很有必要的训练手段。
平时多画多练多记住物体的表现方法，这对现场用手绘跟客户沟通是很有帮助的。

㈩ 什么叫手绘设计

手绘是从事建筑，美术，园林，环艺，摄影，视觉传达等专业学习的学生一门重要的专业必修课程。在效果图的学习过程中，临摹是一个非常重要的内容与环节。它是衡量大学生手绘能力的重要指标。同时对大学生毕业，就业都具有很大的影响。与其相对应的是电脑效果图。

手绘效果图内容包括：室内手绘设计、室外建筑园林景观马克笔技法、彩铅家具和灯具、室内客厅装修、经典别墅、国外酒店工业设计的表现技法、尽在环境艺术网,其设有环艺、室内论坛、典藏、茶馆等等。目前，一种不用敲砖砌墙的装修方式时下已悄然流行。 工业设计也很重视手绘技法，一般工具有马克笔,A3纸，低黏度胶条，勾线笔，以往会用色粉，但现在已经不再流行了。